10.11: Arte americano de posguerra (I)
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Arte americano de posguerra
Del expresionismo abstracto al pop, Estados Unidos fue el epicentro del mundo del arte de la posguerra
1945 - 1980
Expresionismo Abstracto
Goteando, lanzando, rodando, empapando —los expresionistas abstractos hicieron todo lo que la tradición académica decía que no tenía que ver con la pintura.
1945 - 1980
El expresionismo abstracto, una introducción
El grupo de artistas conocidos como Expresionistas Abstractos surgió en Estados Unidos en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Como sugiere el término, su trabajo se caracterizó por imágenes no objetivas que aparecían cargadas emocionalmente de significado personal. Los artistas, sin embargo, rechazaron estas implicaciones del nombre.
¿Qué hay en un nombre?
Insistieron en que sus sujetos no eran “abstractos”, sino imágenes primarias, profundamente arraigadas en el inconsciente colectivo de la sociedad. Sus pinturas no expresaban mera emoción. Comunicaron verdades universales sobre la condición humana. Por estas razones, otro término, el New York School, ofrece un descriptor más preciso del grupo, ya que aunque algunos finalmente se trasladaron, su estética distintiva encontró su forma por primera vez en la ciudad de Nueva York.
El auge de la Escuela de Nueva York refleja el contexto cultural más amplio de mediados del siglo XX, especialmente el alejamiento de Europa como centro de innovación intelectual y artística en Occidente. Gran parte del significado de Abstracción El expresionismo proviene de su estatus como el primer movimiento de arte visual estadounidense en ganar aclamación internacional.
Arte para un mundo en la ruina
Barnet Newman, artista asociado al movimiento, escribió:
“Sentimos la crisis moral de un mundo en ruinas, un mundo destruido por una gran depresión y una feroz Guerra Mundial, y era imposible en ese momento pintar el tipo de pinturas que estábamos haciendo: flores, desnudos reclinados y gente tocando el violonchelo”. \(^{1}\)
Aunque se distinguen por estilos individuales, los expresionistas abstractos comparten intereses artísticos e intelectuales comunes. Si bien no expresamente políticos, la mayoría de los artistas sostenían fuertes convicciones basadas en ideas marxistas de igualdad social y económica. Muchos se habían beneficiado directamente del empleo en el Proyecto de Arte Federal de la Administración del Progreso de Obras. Allí, encontraron influencias en estilos regionalistas de artistas estadounidenses como Thomas Hart Benton, así como el Realismo Socialista de muralistas mexicanos como Diego Rivera y José Orozco.
El crecimiento del fascismo en Europa había traído una ola de artistas inmigrantes a Estados Unidos en la década de 1930, lo que dio a los estadounidenses un mayor acceso a las ideas y prácticas del modernismo europeo. Buscaron formación en la escuela fundada por el pintor alemán Hans Hoffmann, y de Josef Albers, quien dejó la Bauhaus en 1933 para dar clases en el experimental Black Mountain College de Carolina del Norte, y más tarde en la Universidad de Yale. Esta presencia europea dejó en claro las innovaciones formales del cubismo, así como los matices psicológicos y las técnicas de pintura automática del surrealismo.
Mientras que el surrealismo había encontrado inspiración en las teorías de Sigmund Freud, los expresionistas abstractos miraban más al psicólogo suizo Carl Jung y sus explicaciones de arquetipos primitivos que formaban parte de nuestra experiencia humana colectiva. También gravitaron hacia la filosofía existencialista, popularizada por intelectuales europeos como Martin Heidegger y Jean-Paul Sartre.
Ante las atrocidades de la Segunda Guerra Mundial, el existencialismo apeló a los expresionistas abstractos. La posición de Sartre de que las acciones de un individuo pueden dar sentido a la vida sugiere la importancia del proceso creativo del artista. A través de la lucha física del artista con sus materiales, una pintura misma podría llegar a servir en última instancia como una marca duradera de la propia existencia. Cada uno de los artistas involucrados con el expresionismo abstracto eventualmente desarrolló un estilo individual que puede reconocerse fácilmente como evidencia de su práctica artística y contribución.
¿Qué aspecto tiene?
Si bien el expresionismo abstracto informó la escultura de la fotografía de David Smith y Aaron Siskind, el movimiento está más estrechamente vinculado a la pintura. La mayoría de las pinturas expresionistas abstractas son de gran escala, incluyen imágenes no objetivas, carecen de un punto focal claro y muestran signos visibles del proceso de trabajo del artista, pero estas características no son consistentes en todos los ejemplos.
En el caso de Woman I de Willem de Kooning, las pinceladas visibles y el pigmento aplicado densamente son típicos del estilo “Action Painting” del Expresionismo Abstracto también asociado a Jackson Pollock y Franz Kline. Mirando a la Mujer I, podemos imaginar fácilmente a De Kooning en el trabajo, usando fuertes gestos de corte, agregando gotas de pintura para crear superficies muy construidas que podrían ser trabajadas físicamente y reelaboradas con su pincel y su paleta. La imagen central de De Kooning es claramente reconocible, reflejando la tradición del desnudo femenino a lo largo de la historia del arte. Nacido en los Países Bajos, de Kooning se formó en la tradición académica europea a diferencia de sus colegas estadounidenses. A pesar de que produjo muchas obras no objetivas a lo largo de su carrera, su formación temprana podría ser un factor en su frecuente regreso a la figura.
En contraste con la apariencia dinámica del arte de De Kooning, Mark Rothko y Barnett Newman ejemplifican lo que a veces se llama el estilo “Color Imagist” o “Color Field” del expresionismo abstracto. Estos artistas también produjeron imágenes a gran escala, no objetivas, pero su trabajo carece de la intensidad energética y la calidad gestual de Action Painting. Las pinturas maduras de Rothko ejemplifican esta tendencia. Sus rectángulos sutilmente renderizados parecen flotar contra su fondo. Para artistas como Rothko, estas imágenes estaban destinadas a fomentar la meditación y la reflexión personal.
Adolph Gottlieb, escribiendo con Rothko y Newman en 1943, explicó: “Nosotros favorecemos la simple expresión del pensamiento complejo”. \(^{2}\)
Vir, Heroicus, Sublimis de Barnett Newman ilustra este noble objetivo. En esta pintura, Newman confió en “cremalleras”, líneas verticales que puntúan el campo pintado del fondo para cumplir una doble función. Si bien resaltan visualmente la extensión de color contrastante a su alrededor, reflejan metafóricamente nuestra propia presencia como individuos dentro de nuestro entorno potencialmente abrumador. La pintura de Newman evoca la noción de lo Sublime del siglo XVIII, un concepto filosófico relacionado con la comprensión espiritual del lugar de la humanidad entre las fuerzas mayores del universo.
El legado del expresionismo abstracto
A lo largo de la década de 1950, el expresionismo abstracto se convirtió en la influencia dominante en los artistas tanto en Estados Unidos como en el extranjero. El gobierno de Estados Unidos adoptó su estilo distintivo como reflejo de la democracia estadounidense, el individualismo y los logros culturales, y promovió activamente exposiciones internacionales del expresionismo abstracto como una forma de propaganda política durante los años de la Guerra Fría. Sin embargo, a muchos artistas les resultó difícil replicar la autenticidad emocional implícita en las innovaciones estilísticas de de Kooning y Pollock. Su obra apareció estudiada y carecía de la misma vitalidad de los pioneros de primera generación. Otros vieron los matices metafísicos del expresionismo abstracto en desacuerdo con una sociedad cada vez más preocupada por una mentalidad de consumidor, alimentada por el éxito económico y la proliferación de los medios de comunicación. Tales reacciones conducirían inevitablemente al surgimiento del Pop, el Minimalismo, y el surgimiento de una serie de nuevos desarrollos artísticos a mediados del siglo XX.
1. Barnett Newman, “Response to the Reverend Thomas F. Mathews” , en Apocalipsis, lugar y símbolo (Revista del Primer Congreso sobre Religión, Arquitectura y Artes Visuales), 1969.
2. Carta de Mark Rothko y Adolph Gottlieb a Edward Alden Jewell Editor de arte, New York Times, 7 de junio de 1943.
Recursos adicionales:
Imágenes Smarthistory para la enseñanza y el aprendizaje:
Encontrar significado en la abstracción
por SARAH ALVAREZ, EL INSTITUTO DE ARTE DE CHICAGO, LA DOCTORA BETH
Video\(\PageIndex{1}\): Joan Mitchell, Paisaje de la ciudad, 1955, óleo sobre lino, 203.2 × 203.2 cm (Instituto de Arte de Chicago 1958.193, ©The Estate of Joan Mitchell), un video de Seeing America
Willem de Kooning, Mujer, Yo
por el Dr. Beth HARRIS y el Dr. STEVEN
Video\(\PageIndex{2}\): Willem de Kooning, Mujer, I, 1950-52, óleo sobre lienzo, 192.7 x 147.3 cm (El Museo de Arte Moderno) © La Fundación Willem de Kooning
Una conversación entre la Dra. Beth Harris y el Dr. Steven Zucker
Barnett Newman
Barnett Newman, Unidad, yo
por Dr. Steven Zucker y Dr. Beth HARRIS
Video\(\PageIndex{3}\): Barnett Newman, Onement, I, 1948, óleo sobre lienzo, 27 1/4 x 16 1/4″/69.2 x 41.2 cm (Museo de Arte Moderno, Nueva York)
Imágenes Smarthistory para la enseñanza y el aprendizaje:
Las técnicas de pintura de Barnett Newman
Video\(\PageIndex{5}\): Video del Museo de Arte Moderno
Representación y abstracción: mirando a Millais y Newman
por SAL KHAN, Dra. BETH HARRIS y Dr. STEVEN
Vir Heroicus Sublimus, 1950-51 (MoMA)
¿Qué tiene de “heroico” una pintura que parece un proyecto artesanal en HGTV? Esta comparación sugiere una respuesta.